Curatorial Statement
In 1970, 65 artists participated in a project called Art in the Mind, curated by Athena S. Tacha at Oberlin College in Ohio. These artists submitted proposals, drawings, diagrams, and ideas, which were then compiled and published in a catalogue.
She [Tacha] was inspired by the forward-thinking exhibitions of conceptual art curated by Seth Seigelaub [sic] (b. 1941) and Lucy Lippard. Like many of Seigelaub’s and Lippard’s early conceptual art exhibitions, Art in the Mind was an “exhibition” in quotes only, realized through a catalogue filled with ideas and proposals that were, by and large, deliberately unrealized----and it many cases, delightfully farfetched.1
Discovering Art in the Mind is what initially inspired us to bring our project, enact, into being. Paging through this document, we found ourselves drawn into a mindset that immediately felt engaged and exciting: how can the act of reading and the potential of language be utilized to change perspective, to provide the basis for a contemporary art practice? It also reminded us of the process through which we became artists, one rooted in the radical pedagogies percolating in such progressive MFA programs as the one we attended at University of California, San Diego.2 For us, the potency of alternative approaches to art-making—steeped in conceptualism, experimentation, and boundary crashing—was truly transformative. It is early projects like this one that take us back to how it all began.
The dystopian atmosphere of the 1970s created an artistic milieu that seemed to include everything under the sun. Across the state, competing social and political ideologies and clashing cultural perspectives resulted in heterodox approaches to art-making. The spirit of questioning and experimentation occurring in and beyond the studio took precedence over affiliation with any art-historical group or movement, and a rich dialogue developed between artists in Northern and Southern California in the absence of powerful regional art museums and commercial galleries. California artists, particularly young, recent art school graduates, embraced a DIY attitude that resulted in the hybridization of media and the breaking apart of traditional forms and genres, freely experimenting in their works with painting, sculpture, photography, performance, video, installation, sound, books, and printed matter.3
Perusing Art in the Mind, we can see a series of ideas that are preliminary and suggestive, but that form the impetus for a new genre, Performance Art, which emerged in tandem with the Conceptual Art Movement. Concurrent with the social and political climate in the 1970s—a decade in the U.S. as emergent as it was divisive and violent— artists began to privilege language and ideas and to suggest that the body itself plays a key role as subject, as material for art, and as an agent of social change. Interesting relationships began to coalesce between Performance Art and some of the social movements of the time, such as Feminism, the Civil Rights Movement, and Gay Liberation. Like many of the ideals of the period, Conceptual and Performance Art evolved during a time in U.S. history when artists were beginning to develop a critical relationship to the institutions and power structures that mediated their lives. While the nature of these emergent art forms focused on the conceptual, artists came to understand how important practice and engaged action were in enacting social change.
Our intention, as we curated enact, was to select a group of artists and writers whose interests aligned with some aspect of the Art in the Mind exhibition: a commitment to a conceptual framework for art; an active allegiance to performance; or an understanding of dialogue and exchange as primary motivations for art-making. We remain committed to a dematerialization of the object and value the virtual landscape as a site for the continued exploration of these ideas, one that reinforces exchange and dialogue as motivating forces. There are no objects per se, only video, audio, performance, photography, text, and writing.
Using that exhibition as a template, we asked enact participants to consider how the work of early conceptual artists informed their praxis. We were also interested in the work of artists who had participated in the Art in the Mind project. Many continued to be prolific, not only in their production as artists, but also in their thinking about art and culture. As artists ourselves it was important that, in our role as curators, we provided a framework that would allow participants to respond with fluidity, utilizing a wide range of media. In our wish to cultivate an authentic relationship with conceptualism rather than control the outcome, we hoped that artists would move beyond suggestion and possibility and demonstrate how these movements have been assimilated into contemporary practice. The responses were multifarious: some projects looked back, while others remained rooted firmly in present issues and concerns. The cross-overs, repetitions, and influences are tangible and compelling.
Given its many qualities and investigations, enact is a kind of litmus test. Its 61 contributions reveal a continued commitment to many of the philosophical and critical ideas that emerged during a transformative moment in U.S. history. In an age where the mechanisms of a networked economy continue to valorize commodity-driven aesthetics, artists and producers of culture are finding increasingly innovative ways to subvert, comment, and radicalize, despite (or because of) of stealthy and ongoing efforts to coopt creativity.
…In other words, it’s not the artist’s seemingly transgressive, risk-taking nonconformity, but exactly a mode of distributed risk and social cooperation denied by neoliberalism that leads certain CEOs and business thinkers to see artistic methods as near-miraculous models of “just-n-time-creativity.” The irony is not lost on most artists who know that the art world, as opposed to their actual conditions of production, is strictly hierarchical.4
The work we selected questions, disrupts, and reassembles. It empowers and suggests. Using play, sound, moments, image, and the written word, it counters dominant narratives as much as it dances with them. enact is a reminder that there continues to be great potential in art, in the tools of art, and in its desire to find solutions to some of the most complex problems of contemporary life.
1 Veronica Roberts, “Like a musical score”: Variability and Multiplicity in Sol Lewitt’s 1970s Wall Drawings. Masters Drawing Archive, 50, no. 2 (2012): 00-00.
2 The program at UCSD was founded in the late 1960s by Helen and Newton Harrison. The faculty included David Antin, Eleanor Antin, Manny Farber, Alan Kaprow, Patricia Patterson, Jerome Rothenberg and, later, Steve Fagin, Louis Hock, Jean-Pierre Gorin, and Babette Mangolte, among many others.
3 The Museum of Contemporary Art. Los Angeles, Everything Under the Big Black Sun. MOCA Los Angeles, California, Web. 8 August 2011 < Link >
4 Gregory Sholette, Dark Matter: Art and Politics in the Age of Enterprise Culture: New York: Pluto Press, 2011.
The curators would like to thank all the participating artists and everyone who contributed to this project including: Ayo Coleman, Nyima Coleman, John Hobbs, Diane Hoffman, Brandon Isom, Matthew Jones, Sebabatso Matseletsele, One Town, Arzu Ozkal, Lorelei Pepi, Beth Roberts, and Tekikki Walker.
Special thanks to web developer, Guy Flynn whose professional expertise and commitment went far beyond the call of duty, Nadya Primak, Oberlin College senior Art Major, who was a trouper from start to finish, Roger Conover, Executive Editor of MIT Press, Art, Architecture and Visual Culture, who sent Nanette looking….and to Athena Tacha for having the foresight and ambition to organize the original exhibition.
Many thanks to Andria Derstine John G. W. Cowles Director Allen Memorial Art Museum and Denise Birkhofer, Assistant Curator of Modern and Contemporary Art, Allen Memorial Art Museum, Oberlin College for assisting in our research and making archival material available.
enact received support from The Ellen Johnson Visiting Artist Fund, Oberlin College Office of the Dean, and a College of Liberal Arts Dean’s Fund Research Grant at UMass Boston.
Spanish Translation:
Texto Curatorial
Ann Torke & Nanette Yannuzzi
En 1970, 65 artistas participaron en un proyecto llamado Art in the Mind (Arte en la Mente), curado por Athena S. Tacha en Oberlin College, Ohio. Estos artistas presentaron propuestas, dibujos, diagramas, e ideas, que luego fueron compiladas y publicadas en un catálogo.
Ella [Tacha] se inspiró en las exposiciones de avanzada de arte conceptual curadas por Seth Seigelaub (b. 1941) y Lucy Lippard. Como muchas de las exposiciones de arte conceptuales tempranas de Seigelaub y Lippard, Art in the Mind era "una exposición" sólo entre comillas, realizada através de un catálogo lleno de ideas y propuestas que eran, en términos generales, deliberadamente no realizadas----y en muchos casos, deliciosamente inverosímiles.1
El Descubrimiento de Art in the Mind es lo que inicialmente nos inspiró a generar nuestro proyecto enact. Hojeando este documento, nos encontramos inmersas en un modo de pensar que inmediatamente se sintió comprometido y fascinante: ¿cómo pueden la lectura como acto y el potencial del lenguaje ser utilizados para cambiar perspectivas y proporcionar fundamento para una práctica de arte contemporáneo? Esto también nos recordó el proceso de nuestra formación como artistas, un proceso arraigado en las pedagogías radicales difundidas en programas de MFA/Master in Fine Arts progresistas como el que asistimos en la Universidad de California, en San Diego.2 Para nosotras, la potencia de los acercamientos alternativos a la producción artística—inmersa en el conceptualismo, la experimentación, y el choque con los límites—era verdaderamente transformativo. Proyectos tempranos como éste son los que nos llevan de vuelta a contemplar cómo comenzó todo.
La atmósfera dystopiana de los años ‘70 creó un entorno artístico que pareció incluir todo lo existente bajo el sol. En todo el estado, ideologías sociales y políticas en competencia y perspectivas culturales opuestas dieron lugar a aproximaciones heterodoxas a cerca de cómo hacer arte. Un espíritu de cuestionamiento y experimentación tanto dentro y más allá del taller tuvo prioridad sobre la afiliación con cualquier grupo de arte histórico o movimiento, y un diálogo enriquecedor se desarrolló entre artistas en California del Norte y del Sur en ausencia de museos de arte regionales poderosos y galerías comerciales. Los artistas de California, en particular jóvenes recién graduados de las escuelas de arte, adoptaron una actitud de Hágalo Usted Mismo que causó la hibridación de medios y el desmantelamiento de formas tradicionales y géneros, experimentando libremente en sus trabajos con pintura, escultura, fotografía, performance, vídeo, instalación, sonido, libros, e impresos.3
Leyendo detenidamente Art in the Mind, no sólo podemos ver una serie de ideas que son preliminares y provocativas, sino que forman el ímpetu para un nuevo género, el Arte de la Performance, que surgió conjuntamente con el Movimiento de Arte Conceptual. Concurrente con el clima social y político en la década de los años ’70 —una década en los Estados Unidos tan emergente como divisiva y violenta—los artistas comenzaron a privilegiar el lenguaje y las ideas y a sugerir que el cuerpo en sí mismo desempeña un papel fundamental como tema, como material para el arte, y como un agente del cambio social. Comenzaron a fusionarse interesantes relaciones entre el Arte de la Performance y algunos movimientos sociales de ese tiempo, como el Feminismo, el Movimiento por los Derechos Civiles, y la Liberación Gay. Como muchos de los ideales del período, el Arte Conceptual y el Arte de la Performance evolucionaron durante un tiempo en la historia estadounidense cuando los artistas comenzaban a desarrollar una relación crítica con las instituciones y estructuras de poder que mediaron sus vidas. Mientras la naturaleza de estas formas de arte emergentes enfocaban en lo conceptual, los artistas llegaron a comprender la importancia de la práctica y la acción comprometida para promulgar cambios sociales.
Nuestra intención, al curar enact, era seleccionar a un grupo de artistas y escritores cuyos intereses se alinearan con algún aspecto de la exposición Art in the Mind: el compromiso con un marco conceptual para hacer arte; una lealtad activa con la performance; o un entendimiento del diálogo e intercambio como motivaciones primarias para la producción de arte. Permanecemos cometidos a la desmaterialización del objeto y valoramos el paisaje virtual como un sitio para la exploración continua de estas ideas, uno que refuerza el intercambio y el diálogo como fuerzas motivadoras. No hay objetos en sí, sólo vídeo, audio, performance, fotografía, texto, y escritura.
Usando aquella exposición como una plantilla, pedimos a los participantes de enact que consideraran cómo el trabajo de los artistas conceptuales tempranos informó su praxis. También nos interesamos por el trabajo de artistas que habían participado en el proyecto Art in the Mind. Muchos siguieron siendo prolíficos, no sólo en su producción como artistas, sino también en su pensamiento sobre el arte y la cultura. Como artistas también, era importante para nosotras que en nuestro papel de curadoras, proporcionáramos un marco que permitiera a los participantes responder con fluidez, utilizando una amplia variedad de medios. En nuestro deseo de cultivar una relación auténtica con el conceptualismo más que controlar un resultado, esperamos que los artistas se movieran más allá de sugerencia y posibilidad y demostraran cómo estos movimientos han sido asimilados en la práctica contemporánea. Las respuestas fueron de múltiples variantes: algunos proyectos miraron hacia atrás, mientras otros permanecieron arraigados firmemente en cuestiones y preocupaciones presentes. Los cruces, repeticiones, e influencias son tangibles y persuasivas.
Considerando sus muchas calidades e investigaciones, enact es una especie de prueba de fuego. Sus 61 contribuciones revelan un compromiso continuo a muchas de las ideas filosóficas y críticas que surgieron durante un momento transformativo en la historia estadounidense. En una edad donde los mecanismos de una economía interconectada sigue valorando estéticas dominadas por bienes tangibles, ciertos artistas y productores de la cultura encuentran modos cada vez más innovadores para subvertir, comentar, y radicalizar, a pesar (o a causa) de esfuerzos sigilosos y en curso para cooptar la creatividad.
…En otras palabras, esto no es el artista aparentemente transgresor, y su inconformismo presto a la toma de riesgos, sino exactamente un modo de riesgo distribuido y cooperación social normalmente negada por el neoliberalismo, que conduce a ciertos CEOs y pensadores comerciales a ver los métodos artísticos como modelos casi milagrosos de "just-n-time-creativity"(oportuna creatividad aplicada). La ironía no está perdida para la mayor parte de los artistas que saben que el mundo del arte, a diferencia de sus condiciones actuales de producción, es estrictamente jerárquico.4
El trabajo que seleccionamos cuestiona, interrumpe, y se reencuentra. Empodera y sugiere. Usando el juego, sonido, momentos, imagen y la palabra escrita, contrarresta ciertas narrativas dominantes tanto como baila con ellas. enact nos recuerda que sigue habiendo un gran potencial en el arte, en los instrumentos del arte, y en su deseo de encontrar soluciones sobre algunos de los problemas más complejos de la vida contemporánea.
1 Veronica Roberts, “Como una partitura musical”: Variabilidad y Multiplicidad en los Dibujos Murales de los años 1970 de Sol Lewitt. Archivo de Dibujo de Maestros, 50, el No 2 (2012): 00-00.
2 El programa en UCSD fue fundado a finales de los años 1960 por Helen y Newton Harrison. El plantel docente incluyó a David Antin, Eleanor Antin, Manny Farber, Alan Kaprow, Patricia Patterson, Jerome Rothenberg y, más tarde, Steve Fagin, Louis Hock, Jean-Pierre Gorin, y Babette Mangolte, entre muchos otros.
3 Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, Todo Bajo el Gran Sol Negro. MOCA Los Ángeles, California, Web. El 8 de agosto de 2011
4 Gregory Sholette, Materia Oscura: Arte y Política en la Edad de la Cultura como Empresa: Nueva York: Prensa de Plutón, 2011.
//traducción: graciela ovejero postigo. 5/5/2013.